No blog, me encantei novamente com o mais recente texto de título “Um truque das mulheres”, que começa assim: “Não há como esquecer uma mulher. Desista, é trabalho em vão. Nem a pior cachaça do mundo servirá como borracha. Ficará de ressaca, enxaqueca e ainda lembrando dela. Não há como esquecer uma mulher já que ela sempre esquecerá algo em sua casa. É um segredo feminino confiado de geração a geração. Um sintoma da ubiqüidade. Uma lição que deve ter sido transmitida numa aula de educação moral e cívica que os homens faltaram para jogar futebol”. Só é necessário dizer que algumas mulheres também faltaram essa aula para jogar futebol. Se não entendeu, passe para o próximo parágrafo! =P

Gracinhas à parte, li que o seu moço de nome Fabricio Carpinejar acabou de publicar um livro e que estará lançando esta semana mesmo lá na terra da garoa. Mais sobre o autor, posso dizer que é cronista, poeta e jornalista. Seu último livro leva o nome de “Canalha! Retrato poético e divertido do homem contemporâneo”. É também autor de mais onze, entre eles “O amor esquece de começar”, “Terceira Sede” e “Biografia de uma árvore”.

Acho uma boa idéia prestar atenção no trabalho dele! Fica a dica. Inté!

Sobre o lançamento do livro:
Canalha! Retrato poético e divertido do homem contemporâneo

Sexta-feira - 21 de novembro

19:30 - Livraria da Vila - Rua Frandique Coutinho 915 - Vila Madalena - São Paulo
Participação de Xico Sá.

Mesmo dia!
21:30 - Mercearia São Pedro - Rua Rodésia 34 - Vila Madalena - São Paulo

“Bonus track”:

* Esta imagem foi originalmente publicada no blog do próprio autor.

Leia a PARTE 1 clicando aqui.

Leia a PARTE 2 clicando aqui.

É importante destacar a importância do teatro sânscrito para o desenvolvimento da chamada música clássica indiana atual baseada nos conceitos de raga e rasa,  uma vez que na esfera da corte a música e a dança estavam tão entrelaçadas que não eram distinguidas. O termo samgita (que significa a arte de cantar, tocar instrumentos e dançar) indica o quanto a música estava indissociada da representação num tipo de teatro gestual em que a palavra falada foi sendo gradativamente substituída pelos gestos (mudras) e pela palavra cantada (gita).

Nas peças de teatro escritas por Kalidasa (por volta do final do séc. IV d.C.) membros da elite aparecem como estudantes de música ou de teatro, dança e pintura. Mas o mais importante é que a teoria estética que relaciona as estruturas melódicas (ragas) a diferentes estados de espírito codificados (rasas) havia florescido no teatro sânscrito, tendo sido preservada e expandida até a atualidade. Essa teoria estética tinha sido elaborada no tratado de Bharata, o Natya Shastra, entre 200 a. C. e 500 a. C.,  integrando o Veda dos Cânticos (Samaveda) e parece ter sido transplantada para a esfera do teatro das cortes.

Ainda hoje no norte da Índia, as estruturas melódicas (ragas) são relacionadas aos estados de espírito - que na tradição do antigo teatro clássico eram nove rasas  (o erótico/ amoroso, o cômico, o patético/ compassivo, o furioso, o heróico, o terrível, o repugnante, o assombro/ êxtase e o tranqüilo /pacífico ).Gradualmente tais estruturas também passaram a ser relacionadas às estações do ano ou às divindades do panteão hindu, o que se pode considerar uma ampliação da concepção original de relacionar a estrutura musical a algo extra-musical (o que numa abordagem semiótica se poderia chamar de uma concepção de representação que vincula o signo musical a um objeto não acústico).

O compositor H. J. Koeulreutter percebeu nessa vinculação dos ragas a algo extra-musical uma concepção holística afirmando, num artigo chamado “A Música da Índia”, já em 1960, que existe uma relação estreita entre música, religião e filosofia, sendo que a música constitui para o hindu um dos meios de unir-se ao princípio original e, desse modo, alcançar a redenção definitiva. Koellreuter explica:

“A interdependência de todas as manifestações da vida espiritual hindu, assim como a idéia fundamental de que tudo é o mesmo, atribuem à música indiana um aspecto de monotonia que nos causa frequentemente uma sensação de um movimento circular, de um girar em torno de um mesmo ponto. O círculo, porém, é o símbolo da alma, do retorno a um mesmo ponto, no ciclo das estações do ano, das horas do dia e no ciclo da vida e morte”.

Assim, do mesmo modo que há uma relação secreta entre o som (nada) e o silêncio (anahata-nada ou o som não manifesto), laços misteriosos uniriam as estruturas melódicas dos ragas às cores, sabores e humores que constituem os diferentes momentos do teatro da vida que vivemos.

Entre os dias 19 e 21 de novembro, a cidade de Florianópolis sediará a segunda edição da Eco Power Conference – Fórum Internacional de Energia Renovável e Sustentabilidade. A proposta do Fórum é criar oportunidades para atualização e troca de conhecimentos multidisciplinares na área de energias renováveis e meio ambiente. Serão 15 painéis temáticos e quatro conferências internacionais conduzidos por grandes especialistas brasileiros e estrangeiros, como Fritjof Capra e John Elkington.

Saiba mais no www.cafetinaverde.com

Leia a PARTE 1 clicando aqui.

PARTE 2

A maioria dos pesquisadores afirma que a primeira fase da música indiana começa com o canto védico, iniciado com a chegada dos arianos ao subcontinente. Sendo transmitidas oralmente as tradições religiosas transmitidas pelos chamados “sábios-videntes” (rishis) deram nascimento aos livros chamados de Vedas que contém orações, hinos, fórmulas encantatórias e ritualísticas. Os hinos do Rigveda, o primeiro livro sagrado dos hindus, eram cantados de um modo que as palavras eram entoadas em três “alturas” diferentes, sendo as melodias formadas apenas por três notas de freqüências próximas. Não é possível nesse artigo aprofundar a descrição dos cantos védicos, que parecem ter pouca relação com as tradições de música clássica da Índia de hoje, uma vez que desconheciam o sistema melódico modal composto pelos ragas, bem como o sistema métrico de  talas utilizado nas tradições clássicas de hoje.

De acordo com o musicólogo indiano B. C. Deva (Indian Music 1990), a música derivada dos cantos védicos, altamente simbólica, baseada em escalas diatônicas descendentes e governada por uma gramática estrita foi chamada de “marga sangita” (música do caminho). Sua função era religiosa e, portanto, não se tolerava qualquer desvio das normas bem precisas estabelecidas pela casta sacerdotal (brâmane). Apesar de toda essa inflexibilidade, Deva aponta o desenvolvimento progressivo de diferentes ramos do canto védico, devido a uma mistura de algumas tribos arianas com as populações nativas de cada região do subcontinente. Pode-se suspeitar que tal processo tenha acompanhado o movimento em direção ao sincretismo religioso, tendo  resultado no surgimento da chamada “deshi sangita” (literalmente música da terra ou da região), menos restrita a regras gramaticais e com finalidades não religiosas, tais como simplesmente agradar os ouvintes. É importante frisar que foi no âmbito dessa música regional e profana que floresceu a concepção dos esquemas melódicos que foram considerados como precursores dos ragas.

Aqui chegamos a um conceito muito importante para quem quer compreender a música indiana de hoje, pois raga é um conceito central da música indiana, sendo algo complexo já que todo raga tem um lado técnico-musical e um lado abstrato/estético. A imagem abstrata é muitas vezes representada em poemas ou em pinturas que procuram demonstrar o espírito intrínseco do raga.  Tecnicamente ragas são estruturas melódicas em que a entoação das notas, bem como suas durações relativas e ordem (sucessividade) são previamente definidas. Suas notas possuem um escala ascendente e outra descendente (nem sempre são iguais). Por isso, a ordem na qual as notas são usadas numa canção clássica é semi-fixa e as notas devem pertencer às escalas ascendente e descendente do raga.

Alguns ragas possuem frases características (pakar) que as tornam facilmente reconhecíveis pelo público indiano; outras possuem notas com ornamentos específicos ou tem registros específicos (mais grave, ou região média ou aguda); todo raga possui ainda notas de sustentação, predominantes que são enfatizadas ao longo da execução. Tudo isso serve para tornar o raga uma matriz sonora facilmente identificável pelo ouvinte conhecedor; além disso, essa matriz serve de fundamento sobre o qual o músico deve improvisar. Há diferentes estilos de improvisação na música hindustani de hoje, sendo alguns improvisos não medidos (sem métrica) chamados alaps; outros improvisos são medidos (bistar) sendo encaixados num ciclo rítmico. Tais formas de improvisar ganharam diferentes coloridos locais, devido aos dialetos musicais estabelecidos pelas “gharanas” (escolas de canto) ou “banis” (escolas de instrumentos).

*A terceira e última parte será publicada na próxima semana.

Melhor filme – Prêmio do Júri: O Estranho em Mim, de Emily Atef, Alemanha
Melhor atriz – Prêmio do Júri: Susanne Wolff, de O Estranho em Mim, Alemanha
Melhor Longa Estrangeiro de Ficção – Prêmio do Público: Jodhaa Akbar, de Ashutosh Gowariker, Índia
Melhor Documentário Estrangeiro – Prêmio do Público: Youssou Ndour: I Bring What I Love, de Elizabeth Chai Vasarhelyi, EUA
Melhor Documentário Longa-Metragem Brasileiro – Prêmio do Público: Lóki: Arnaldo Batista, de Paulo Henrique Fontenelle
Melhor Longa Brasileiro de Ficção – Prêmio Público: Apenas o Fim, de Matheus de Souza
Melhor Documentário – Prêmio do Júri: Crianças da Pira, de Rajesh S. Jala, Índia
Prêmio Especial do Júri – Documentário – KFZ-1348, de Gabriel Mascaro e Marcelo Pedroso, Brasil
Menção Especial do Júri – Documentário – Conhecendo Andrei Tarkovsky, de Dmitry Trakovsky
Melhor Curta-Metragem Internacional – Prêmio do Júri: Death Valley Superstar, de Michael Yaroshevsky, Canadá
Melhor Curta-Metragem Brasileiro – Prêmio do Júri: Monkey Joy, Amir Admoni
Melhor Média-Metragem Brasileiro – Prêmio do Júri: Bode Rei, Cabra Rainha, de Helena Tassara
Menção Honrosa Curta-Metragem – Prêmio do Júri: Vidas no Lixo, de Alexandre Stockler, Brasil
Melhor Longa-Metragem – Prêmio Teleimage de Finalização: Apenas o Fim, de Matheus de Souza, Brasil
Melhor Curta-Metragem – Prêmio Teleimage de Finalização: Monkey Joy, de Amir Admoni, Brasil, Holanda
Melhor Média-Metragem Brasileiro – Prêmio Teleimage de Finalização: Bode Rei, Cabra Rainha, de Helena Tassara
Melhor Filme – Prêmio da Crítica – Aquele Querido Mês de Agosto, de Miguel Gomes, Portugal
Melhor Filme – Prêmio da Juventude – Verônica, de Maurício Farias, Brasil
Prêmio Humanidade – Wim Wenders, cineasta alemão, convidado de honra da 32ª Mostra.

- Il Divo - Itália - Paolo Sorrentino

- Air - Japão - Ryotaro Muramatsu (o japonês mais bonito que já vi na vida)

- A Canção dos Pardais / The Song of Sparrows - Irã - Majid Majidi

- Berlin Alexanderplatz - Alemanha - Fassbinder

- La Bohème - Áustria - Robert Dornhelm

- Ninho Vazio / El Nido Vacío - Argentina/Espanha - Daniel Burman

- A seleção Carta Branca de Wim Wenders (Destaque para “Bye Bye Blackbird” e “Três Dias de Chuva”)

- Sonata de Tóquio / Tokyo Sonata - Japão - Kiyoshi Kurosawa

- Che - Steven Soderbergh

* Excluí dessa lista vários que também passaram no Festival do Rio. Infelizmente é um top 10 do que foi possível assistir… Gostaria muito de fazê-lo em cima dos mais de 300 filmes, mas…

Alguns comentários:

“A canção dos Pardais” me fez lembrar porque eu gosto do cinema iraniano. O filme é de uma sutileza incrível. A seleção carta branca do Wim Wenders, além de ter a presença animada do diretor nas sessões, tem escolhas preciosas. Dentre os que vi, “Bye Bye Blackbird” me impressionou muito pela fotografia e jogo de cameras exótico. “Três Dias de Chuva” tem uma trilha sonora de jazz deliciosa.

Nunca pensei que fosse gostar de uma Ópera filmada ou Ópera em filme, mas “La Bohème” é absolutamente fantástica, além de ter uma fotografia também muito bonita. (Quem gosta do musical “Rent” certamente vai encontrar elementos no filme que inspiraram o musical).

“El Regalo de La Pachamama” foi o primeiro filme que vi em São Paulo esse ano. Mostra uma solidariedade emocionante, além de uma fotografia de tirar o fôlego. “Berlin Alexanderplatz”, de Fassbinder, é indescritivelmente bom, mesmo sendo longo, não se sente o tempo passar…

E o “Che”? Soderbergh sim, deixa sem palavras. Benício del Toro está talvez em um de seus melhores e maiores papéis. E para encerrar, Il Divo, que se o ator que fez o papel de Giulio Andreotti não ganhou prêmio até agora, tem realmente algo de errado com os jurados dos festivais… (não tive tem de conferir o imdb!) Andreotti é certamente um dos melhores personagens dos últimos tempos. O filme impressiona em diversos aspectos: edição, trilha sonora, roteiro, fotografia… That’s all folks!

O Jardim Botânico é um dos principais cartões de visita da cidade e uma referência internacional pela beleza natural, pelo programa de pesquisa científica e cursos na áreia de gestão ambiental.

O evento faz parte das comemorações do bicentenário do Jardim Botânico do Rio de Janeiro. A programação acontece no Jardim Botânico e no Centro Cultural dos Correios.

Programação e mais detalhes no site oficial: http://www.cinegaia.org

Já conhece o cafetina verde? Visite: http://www.cafetinaverde.com

A cena é envolvente.  Sentado em mesas e servido de um tradicional feijão amigo, o espectador é transportado para dentro do quintal da casa de Antônio Candeia Filho, popularmente conhecido como Candeia, para participar de uma verdadeira roda de samba e, ao mesmo tempo, ver contada a história do sambista politizado que lutou pela consciência negra e pela preservação das raízes do samba. A concepção cênica criada por André Paes Leme para encenar o musical É SAMBA NA VEIA, É CANDEIA, que estréia no dia 22 de outubro no CCBB.

A peça de Eduardo Rieche foi a vencedora do Seleção Brasil em Cena 2007, concurso nacional de dramaturgia promovido pelo CCBB. “Minha estréia como dramaturgo não poderia ser melhor”, comemora o autor premiado. Segundo ele, é importante a iniciativa do CCBB porque o que importa para um autor é ver seu texto no palco. André Paes Leme que já dirigiu outros musicais como “Otelo”, “Forrobodó” e “A Capital Federal”, faz coro: “Acho que o Seleção Brasil em Cena vem ocupar um lugar de estímulo pra quem está começando. É uma iniciativa muito bacana”.
Em cena, Candeia é vivido por Jorge Maya, que também tem história em musicais, como “Geraldo Pereira” e o recente sucesso “Gota D´água”.  Para o papel de Leonilda, a mulher de Candeia, ninguém melhor do que Patrícia Costa, neta de um dos fundadores da Portela e duas vezes vencedora do Estandarte de Ouro de passista feminino. Os outros 12 atores, em sua maioria recém-saídos das escolas de teatro e selecionados por testes, se dividem em vários papéis e ainda tocam e cantam, acompanhados de 3 instrumentistas.

“A música é a protagonista do espetáculo”, atesta o diretor, que pretende que o público perceba a descontração da casa de Candeia, onde aconteciam as rodas de samba. “O público ora está inserido na roda, ora assiste uma cena íntima que representa fatos históricos da vida do sambista”, explica Paes Leme.  O autor já tinha escrito a peça e lutava há cinco anos para produzi-la antes de inscrevê-la no Seleção Brasil em Cena. “Quem gosta de samba, não vai deixar de ver. E quem não gosta, vai passar a gostar”, garante Rieche.

SERVIÇO
Peça: É Samba na veia, é Candeia
Estréia: 22 de outubro às 20 horas
Temporada: 23 de outubro até 30 de novembro
quarta a domingo às 19h30
CCBB – Teatro lll
Endereço: Rua Primeiro de Março, 66
Telefone: 3808 2020
Ingressos: R$ 10,00

Apenas o Fim, longa dirigido por Matheus Souza, levou menção honrosa do Juri Oficial e Melhor Longa Ficção pelo Voto Popular. O filme é um projeto de alunos do curso de cinema da PUC-Rio. Com o roteiro de Matheus Souza, de apenas 20 anos, os estudantes uniram-se para fazer o primeiro longametragem da universidade. O projeto é de baixo orçamento e contou com o apoio do Departamento de Comunicação Social da PUC-Rio.

O roteiro traça um retrato da geração crescida nos anos 90, bombardeada por influências da cultura pop e avanços tecnológicos. É um filme com temática jovem, executado por jovens e representado por atores da nova geração do teatro e do cinema. Érika Mader e Gregório Duvivier são os protagonistas, e o longa também conta com participações de Marcelo Adnet, Natália Dill, Álamo Faço, Anna Sophia Floch e Julia Gorman.

Veja agora o resultado completo da premiação do Festival do Rio 2008:
VOTO POPULAR
- Melhor Longa ficção: Apenas o Fim, de Matheus Souza
- Melhor Longa documentário: Loki, Arnaldo Baptista, de Paulo Henrique Fontenelle
- Melhor Curta – Urubus têm asas, de André Rangel e Marcos Negrão

**

JÚRI OFICIAL - Presidido por Wieland Speck e composto Camila Pitanga, Jorge Duran e Lita Stantic.

Melhor longa-metragem de ficção: Se nada mais der certo, de José Eduardo Belmonte
Melhor longa-metragem documentário: Estrada real da cachaça, de Pedro Urano
Melhor direção ficção: Matheus Nachtergaele (A festa da menina morta)
Melhor direção documentário: Helena Solberg (Palavra (En)cantada)
Melhor ator: Daniel de Oliveira (A festa da menina morta)
Melhor atriz: Caroline Abras (Se nada mais der certo)
Melhor curta de ficção: Blackout , de Daniel Rezende
Melhor curta documentário: 69 – Praça da Luz, de Carolina Markowicz, Joana Galvão
Prêmio especial do júri: Jards Macalé – Um morcego na porta principal, de Marco Abujamra, co-direção de João Pimentel
Menção honrosa: Apenas o Fim, de Matheus Souza

**
Prêmio  FIPRESCI - Júri da Federação Internacional da Imprensa. Júri presidido por
Diego Brodersen (Argentina) e composto por Lídice Varas (Chile), Fernando Palumbo (Uruguai), Ivonete Pinto (Brasil - Porto Alegre), Pedro Butcher (Brasil - Rio de Janeiro): A Mulher sem cabeça, de Lucrecia Martel (Argentina, 2008)

***
MOSTRA GERAÇÃO – Melhor filme – voto popular Somos todos diferentes (Taare Zameen Par), de Aamin Khan

Destaques do cinema mundial levam 220 mil pessoas as salas cariocas no Festival do Rio

O premiado italiano Gomorra, de Matteo Garrone; o novo filme de Woody Allen, Vicky Cristina Barcelona, o argentino La Leonera, de Pablo Trapero com Rodrigo Santoro; Queime depois de Ler, o mais recente dos irmãos Coen, O Casamento de Rachel, de Jonathan Demme, e o coreano midnight O Bom, O Mau e o Bizarro, de Kim Jee-Woon, além do documentário norte-americano Gonzo, de Alex Gibney, estão entre os filmes mais procurados do Festival do Rio.  Sem contar com os quase 40 títulos da Première Brasil.

A Première Brasil tornou-se a principal vitrine do cinema nacional, com recordes de público em sessões de gala e populares. “Os produtores e diretores reconhecem isso e estão presentes às sessões e debates. Este ano, foi um prazer ver a repercussão dos filmes brasileiros”, comemora uma das diretoras do Festival do Rio.

Os curadores correm o mundo em busca do cardápio do Festival do Rio e lembram que sempre há surpresas. “Esperávamos o sucesso de Gomorra, La Leonera, Vicky Cristina Barcelona e Queime depois de Ler, premiados nos grandes festivais e esperados por aqui, mas houve outros, como o documentário, 9to5, o Dia a Dia da Pornografia, sobre a indústria pornô, e o português Call Girl, que atraíram público e atenção dos meios de comunicação muito além do esperado. E foi um prazer ver 800 pessoas no cinema para rever O Poderoso Chefão.”

ANITA O’DAY: A VIDA DE UMA CANTORA DE JAZZ
(Anita O’Day: The life of a Jazz Singer)
de Robbie Cavolina, Ian McCrudden. Documentário. Estados Unidos, 2007. 90min.
Anita O’Day, grande cantora de jazz americana, manteve-se ativa da década de 40 até sua morte em 2006, aos 86 anos. De sua performance decisiva no Newport Jazz Festival em 1985 a apresentações recentes, passando por parcerias com artistas como Louis Armstrong e Roy Eldridge, O’Day emerge como a maior voz branca do gênero, fazendo frente a um forte preconceito reverso. Vivendo sempre da forma que queria e sem olhar pra trás, sua vida privada foi uma catástrofe: quatro casamentos fracassados, prisões, abortos, estupros e vinte anos de vício em álcool e heroína.

(LEP) - 10 anos
DOM (5/10) 15:50 Est Vivo Gávea 4 [GV447]
DOM (5/10) 22:20 Est Vivo Gávea 4 [GV450]
SEX (3/10) 16:45 Espaço de Cinema 1  [EC148]
SEX (3/10) 21:45 Espaço de Cinema 1  [EC150]
QUI (9/10) 17:15 Caixa Cultural 2 []

CONTRATEMPO
(Contratempo)
de Malu Mader, Mini Kerti. . Brasil, 2008. 98min.
CONTRATEMPO.s.m. 1. Circunstância ou incidente inesperado, que impede ou contraria o curso de um acontecimento, de um projeto etc. 2. p.ext. Obstáculo, estorvo, empecilho. 3. Aborrecimento, desgosto. 4. Música – A parte fraca do tempo.
No Rio de Janeiro, jovens de comunidades pobres tentam encontrar alternativas para o impasse social brasileiro. Alguns são selecionados para integrar um projeto social ligado à música, mas as transformações nem sempre acontecem.

- Livre
SEG (6/10) 20:00 Odeon Petrobras [OD062]
TER (7/10) 10:30 Odeon Petrobras [OD064]
QUA (8/10) 15:40 Est Vivo Gávea 3 [GV357]
QUA (8/10) 22:20 Est Vivo Gávea 3 [GV360]

PATTI SMITH: SONHO DE VIDA
(Patti Smith: Dream of Life)
de Steven Sebring. Documentário. Estados Unidos, 2008. 109min.
Precursora do punk nova-iorquino, Patti Smith surgiu no cenário musical nos anos 70, tornando-se um ícone do rock por sua poesia contestadora e música crua. Durante os últimos onze anos, o fotógrafo Steven Sebring acompanhou a cantora de perto, de sessões musicais em seu apartamento a épicas apresentações internacionais. Narrado pela própria Smith, o filme mergulha em seu universo artístico, composto de canções, pinturas e fotografias, explorando temas como espiritualidade, história e expressão pessoal. Melhor Direção de Fotografia em Documentário no Festival de Sundance 2008.

(LEP) - 12 anos
SEX (3/10) 12:30 Espaço de Cinema 2 [EC243]
SEX (3/10) 23:30 Espaço de Cinema 2 [EC248]
DOM (5/10) 14:00 Palacio 2 [PL240]
DOM (5/10) 18:10 Palacio 2 [PL242]
SEG (6/10) 22:00 Est Barra Point 1  [BP155]

PHILIP GLASS: UM RETRATO EM DOZE PARTES
(Glass: A Portrait of Philip in Twelve Parts)
de Scott Hicks. Documentário. Austrália, 2007. 115min.
Ao longo de 18 meses, o diretor Scott Hicks acompanhou o compositor Philip Glass para  realizar um documentário celebrando seus 70 anos. O retrato resultante nos introduz em sua rotina, desde os preparativos para uma turnê internacional até nos momentos com a família. Seja compondo sua música, que ele mesmo define como “de estruturas repetitivas”, conversando com conselheiros espirituais, brincando com os filhos ou cozinhando, Glass aparece em suas múltiplas facetas de artista prolífico e controverso, questionador das fronteiras entre música culta e popular.

(LEP) - 12 anos
SEG (6/10) 12:00 Espaço de Cinema 2 [EC261]
SEG (6/10) 23:30 Espaço de Cinema 2 [EC266]
QUA (8/10) 16:00 Palacio 2 [PL256]
QUA (8/10) 20:00 Palacio 2 [PL258]